Как стать художником и не пожалеть об этом

5. Реклама в СМИ – бесплатно на арт-портале друзей.

6. Анонсы среди своих знакомых и бывших коллег – бесплатно, лично, по почте и через мероприятие в Facebook.

7. Организация фуршета – около 10 тысяч рублей.

8. Поиск спонсоров – не нашла, но, пока искала, нашла дешевые напитки у какого-то оптовика.

9. Распространение печатных приглашений – бесплатно, своими силами.

10. Создание и запуск персонального сайта – около 15 тысяч рублей.

Выставочный зал я нашла на Facebook. Типографию – через бывших партнеров с работы. Сайт мне делал знакомый. Верстала подруга.

Я действовала четко по алгоритму, как я привыкла это делать, будучи менеджером по продукту в офисе. Я все успела и сделала все, что и планировала, к открытию.

На открытие пришло человек 50. Это очень много для художника, который, можно сказать, только родился. В основном, конечно, знакомые и знакомые знакомых. Но иногда приходили и совершенно неизвестные мне люди.

На открытие владелица галереи позвала директора одной московской государственной галереи современного искусства. Я еще не понимала масштаб происходящего, и все, что я запомнила из его слов, было: «…ты очень смелая…» (по всей видимости, потому что осмелилась показать жутко незрелую живопись) и «…ты еще сама не знаешь, что создала…» (про одну мою работу, как мне тогда показалось, одобрительно). Еще были советы с его стороны, типа «нужно делать то же, но только холст в 100 раз больше». И ни слова о том, как все это продавать…

Тогда я еще студент академии. Мои работы незрелые, живопись неуверенная, картины разноплановые: от жутких натюрмортов до попыток символизма и абстрактной живописи. На выставку я принесла все свои работы. Конечно, так лучше не делать, но мне тогда никто не говорил, как нужно. Я просто делала так, как чувствовала.

Что пошло не так? Пришлось ездить каждый день в галерею, поскольку я тогда не знала, что могут существовать галереи, в которых нет ни смотрителя, ни охраны. А нужно просто брать ключ и самой встречать гостей. Парень, помощник владелицы галереи, который должен был иногда присутствовать на время отъезда, в какой-то момент исчез и перестал выходить на связь. Как выяснилось позднее, он просто забрал деньги, которые я и еще несколько художников заплатили за аренду, и улетел в отпуск (позже он все-таки объявился, так что не переживайте). Из-за этого некоторые мои знакомые так и не смогли попасть на выставку, поскольку оказались перед закрытой дверью. Благо практически сразу вернулась владелица, и моя выставка благополучно прошла от начала до конца.

Какие советы я могу дать начинающим художникам, читающим эту книгу, и желающим организовать первую персональную выставку своими силами?

Первое, что нужно сделать, – задать себе несколько ключевых вопросов:

1. Для чего, с какой целью организовываю персональную выставку?

2. Смогу ли я привлечь зрителя и потенциального покупателя? Знаю ли я, как это делать? Достаточно ли у меня средств на рекламу и смогу ли я покрыть расходы?

3. Какого результата я жду от выставки?

Во многом формат выставки и ее результат зависят от бюджета, от желаемого масштаба мероприятия, от амбиций художника, от количества уже лояльных к вам и вашему творчеству людей.

Если вы изначально ставите цель показать себя и свои работы без привязки к продажам, то просто постарайтесь охватить максимальную аудиторию. Делайте персональные рассылки и приглашения. Заманите интересной программой или интересными публике приглашенными гостями. Если позволяет бюджет, делайте платную рекламу, например, на сайтах-афишах, которые осуществляют рассылки, или в тематических блогах.

Первое. Если цель – продажи, то тут нужно будет заморочиться. Во-первых, никто не отменял качество самих работ. Мой опыт – это скорее пример исключения, везения и результат большого количества теплых знакомств. Безусловно, я не смогу вам рассказать по пунктам, какие работы лучше покупают. Сами понимаете – все индивидуально. Для своего рода прогноза продаж с выставки вы можете промониторить галереи современного искусства в Instagram. Все коммерческие галереи заточены на продажи, поэтому вы можете смело проводить визуальный анализ, основываясь на их опыте. Естественно, это не гарант продаж, но по крайней мере у вас начнет формироваться некая насмотренность, а возможно, что-то вас вдохновит на создание шедевра. Кто знает. В общем, будет огромным плюсом, если ваши картины, ваша живопись или рисунки будут самобытны и уникальны, если в них будет что-то необычное, душевное. Эмоции на холсте, которые могут выражаться как в мазках, так и в сюжетах, – это важно для зрителя. Он это чувствует. Пожалуй, это будет второй пункт. И третье – наша любимая реклама.

Второе. Цель – знакомство и партнерские контакты, тогда и выставка должна быть организована как тусовка. Есть смысл собрать базу контактов дизайнеров интерьеров и галерей. А затем отправить всем приглашение в ключе «…приходите посмотреть на работы, которые могут стать интересны вашим клиентам».

Ну и слишком не обольщайтесь. Воспринимайте каждую выставку скорее как PR, а не как ярмарку-продажу. Я не могу и не имею права обобщать, поскольку мы – художники – создаем настолько разные вещи, что пальцем в небо – предсказывать результаты выставки. Я знаю огромное множество никому не известных художников, которые создают просто удивительные вещи. И все, что им нужно, – это хорошее продвижение.

Пока шла выставка, я продала примерно на 80 тысяч рублей (если вернуться к смете, это почти стоимость ее организации). Спустя пару месяцев я продала еще несколько работ и в итоге вышла в плюс. Хотя, признаюсь, моя цель была не продажи.

Моя цель была заявить о себе. И скорее даже для себя, для внутренней уверенности в правильности происходящего. Мне почти 30. Я осталась без работы. У меня нет собственного жилья. Я студент академии. Без существенного творческого опыта и знаний. Это была моя попытка войти на новый рынок и закрепиться на нем хотя бы одним волоском.

Но потом волосок оборвался почти на два года.

Академическое образование не панацея

Ох, сколько раз меня спрашивали, а нужно ли высшее художественное образование. Ох, сколько раз я размышляла, а нужно ли мне было высшее художественное.

Чтобы ответить однозначно, попробую взглянуть на происходившее со мной в ретроспективе. Во-первых, давайте определимся в терминах. Академическое художественное образование, которое я получила, не совсем высшее. Это диплом о переквалификации. То есть, по сути, я переквалифицировалась из маркетологов в художники. Это программа для взрослых, уже имеющих высшее образование. Три года очного обучения. Примерно 5 дней в неделю по 4—8 часов в зависимости от предмета. Были очень нужные практические предметы, такие как «Рисунок и живопись», «Копирование станковой живописи», «Теория цвета», «Монументальная живопись», «Наброски» и «Короткий рисунок». Были совершенно, на мой взгляд, ненужные, такие как «Начертательная геометрия», на зачет по которой я так и не пришла, но каким-то чудесным образом его получила. Честно пыталась понять и разобраться, приходила к преподавателю на консультацию, подключила свою приятельницу-архитектора, но все было тщетно. Кроме оскорблений и протертых ластиком тысячу раз исправленных листов бумаги, я от этого курса не получила ровным счетом ничего. Был интересный, но очень сжатый и скомканный курс «Теория и история искусств». Конечно, тут нужно было бы пройтись от начала до конца и большую часть посвятить искусству 20 и 21 веков. И если бы не потрясающее итоговое задание, для выполнения которого нужно было ходить в музей и смотреть на любимую картину, а потом описывать ее во всех подробностях, я бы тоже причислила этот курс скорее к бесполезным.

Нам очень повезло с педагогом по живописи и рисунку, которая, будучи очень мягким и тактичным человеком, как мне показалось, так же тактично и вела наши занятия, не вмешиваясь в творческую составляющую процесса, а лишь профессионально направляя и указывая на ошибки, подробно разъясняя нюансы и хитрости академической школы.

Не могу не вспомнить историю прямо противоположную. Наш педагог ушла в декрет, и в последний год на ее место поставили педагога, который любил выразить свое сугубо личное мнение в красках. Вот однажды я сижу и мирно дописываю гипсовую голову, которую начала еще при первом педагоге. Я уже практически заканчивала. И работа была не совсем традиционно выполнена. Я намеренно решила сделать тени и рефлексы цветными, прямо ярко выраженно цветными. Помню, что мы всю эту красоту обсуждали с первым преподавателем, она одобрительно улыбалась моей смелости и только поправляла кое-где нарушенные пропорции. И вот настало последнее занятие, ко мне подходит новый педагог и со всем энтузиазмом начинает во весь голос критиковать меня и мою работу. Слова, которые мне запомнились ярче всех остальных: «О боже! Ты что, из Африки сбежала?» Ему не понравилось, что очень много цвета на гипсе («так не бывает!»), и взаимные придирки (а я не оставила это дело безнаказанным) закончились примерно таким диалогом:

Я: Да, сбежала, но не из Африки, а из Индии (я как раз только вернулась из Индии).

Он: Ты что, так сильно любишь цвет?

Я: Да, жить не могу без него!

Он: Ладно, оставляй, но немного приглуши тут и тут…

Так мы пришли к компромиссу. А тем временем другие мои взрослые одногруппницы в прямом смысле слова рыдали над своими холстами и ватманами. Ну, неразборчив и несдержан оказался наш новый педагог. Зато сколько энтузиазма и какие шикарные постановки он делал (сырое мясо и рыба, банщица с веником и кадкой и десятки других)!

В целом, когда я вспоминаю учебу и, в частности, все занятия, которые были связаны с живописью или рисунком, меня скорее наполняет чувство благодарности по отношению к моим педагогам. За то, что позволяли ошибаться. За то, что по большей части критиковали конструктивно и советовали, как можно исправить, чтобы получилось гармонично.

Первые два года я как обезумевшая рисовала, рисовала, рисовала! Посещала все факультативы, а дома часами копировала. Потом энтузиазма поубавилось. Несколько десятков натур было написано, несколько сотен листочков на набросках было испорчено, пяток копий был закончен… И тут вдруг моя творческая суть начала раздражаться. Внутри меня появлялись вопросы: «А почему я должна делать именно так, а не иначе? А почему нам не рассказывают о современном искусстве? Ну, хотя бы о модернизме? А зачем проводить столько часов за тем, чему мы уже и так научились?..» И еще миллион вопросов.

Я тогда еще слабо понимала и не осознавала, что я пришла именно в «академию», что, как бы я ни возмущалась, не будет там того, что я требую и чего требует моя сущность.

Никто мне тогда не сказал, что есть и другие заведения, более демократичные и гибкие. Я просто действовала как знала. Честно скажу – я не жалею. Считаю, что каждому художнику нужно испытать на себе влияние кубов, шаров, черепов и пластической анатомии. Разработать руку и окунуться в традицию живописи и рисунка. Просто каждый должен выбирать для себя формат и время, которое он готов тратить на это, в привязке к тому, чем он планирует заниматься в будущем как художник.

Вернемся к понятию «художник». Тут будет уместно определение именно про внутреннее состояние: когда вся ваша суть жаждет творчества, выхода за рамки существующего, создания чего-то нового, чего не было ранее до вас. А академическая школа (по крайней мере, в том формате, в котором я с ней столкнулась) не дает этого. Вот это, на мой взгляд, одно из важных упущений такого образования. Хотя и не единственное.

Что бы я добавила в высшее художественное, особенно в такую программу дополнительного образования? Во-первых, я бы ввела предмет в формате мастерских, на которых можно было бы пробовать себя в разных направлениях современного искусства, в том числе и коллаже, инсталляции и других смешанных медиа, а также изучать цифровые методы создания искусства. Во-вторых, как я уже писала выше, я бы ввела курс истории искусства с упором на 20 и 21 века. В-третьих, я бы ввела такие предметы, как «Кураторство» с разбором значимых выставок последнего столетия; «Менеджмент и PR», на котором бы рассказывали, как художнику продвинуть себя и как монетизировать свои творческие способности, с чего начать и куда бежать.

Последнее, и это вообще ключевое. Когда художник попадает в реальный мир, он чаще всего не понимает и не знает, куда приложить его художественные навыки. И на выходе получается прямо противоположная картина. Со стопкой тубусов и холстов с натюрмортами он стоит на пороге в реальный мир и недоумевает, почему работы Херста или Хокни стоят десятки миллионов долларов.

Наверное, академисты имеют полное право на это. Все-таки если не они, то кто будет сохранять традиции академической школы?

Кроме того, сейчас существует множество школ и высших учебных заведений нового формата, программы которых более практичны и приближены к реалиям современного арт-рынка.

И мы логично подходим к главным вопросам этой главы.

Что важнее высшего образования? Можно ли обойтись без него? Нужен ли диплом? Если да, то для чего?

Диплом, на мой взгляд, нужен больше для себя, для своего эго, чтобы можно было между делом щегольнуть: «я профессиональный художник, это вам не хухры-мухры», – или если вы планируете карьеру в институциях (преподавать в академии или в художественной школе, работать в галерее или еще где-то, где по регламенту диплом просто необходим).

Но если вы планируете двигаться иным путем, то есть все основания подумать над альтернативными источниками получения знания и навыков.

Академическое образование я не считаю панацеей. Дело не в образовании, а в том, как вы сможете на практике применить все, что получили в стенах той или иной институции.

Важнее высшего академического образование ваша творческая и профессиональная осознанность. Если не в самом начале пути, то хотя бы в середине задайте себе следующие вопросы.