Мастера натюрморта

Федотов не отделяет предметы от интерьера, поэтому вещи показаны не только достоверно, но и живописно тонко. Каждый самый обычный или не слишком привлекательный предмет, занимающий свое место в общем пространстве, кажется удивительным и красивым.

П. А. Федотов. «Утро после пирушки, или Свежий кавалер», 1846, Третьяковская галерея, Москва

Хотя Федотов не писал натюрмортов, он проявлял несомненный интерес к этому жанру. Чутье подсказывало ему, как расположить тот или иной предмет, с какой точки зрения его представить, какие вещи будут выглядеть рядом не только логически обоснованно, но и выразительно.

Мир вещей, помогающий показывать жизнь человека во всех ее проявлениях, наделяет произведения Федотова особой музыкальностью. Таковы картины «Анкор, еще анкор» (1851–1852), «Вдовушка» (1852) и многие другие.

Во второй половине XIX века жанр натюрморта практически перестал интересовать художников, хотя многие жанристы охотно включали элементы натюрморта в свои композиции. Большое значение приобретают вещи в картинах В. Г. Перова («Чаепитие в Мытищах», 1862, Третьяковская галерея, Москва), Л. И. Соломаткина («Славильщики-городовые», 1846, Государственный исторический музей, Москва).

Натюрморты представлены в жанровых сценах А. Л. Юшанова («Проводы начальника», 1864), М. К. Клодта («Больной музыкант», 1855), В. И. Якоби («Разносчик», 1858), А. И. Корзухина («Перед исповедью», 1877; «В монастырской гостинице», 1882), К. Е. Маковского («Алексеич», 1882). Все эти полотна ныне хранятся в собрании Третьяковской галереи.

В 1870–1880-х годах ведущим жанром в русской живописи оставался бытовой, хотя пейзаж и портрет также занимали важное место. Огромную роль для дальнейшего развития русского искусства сыграли передвижники, стремившиеся показать в своих произведениях правду жизни. Художники стали придавать большое значение работе с натуры и потому все чаще обращались к пейзажу и натюрморту, хотя многие из них считали последний напрасной тратой времени, бессмысленным увлечением формой, лишенной внутреннего содержания. Так, И. Н. Крамской упоминал об известном французском живописце, не пренебрегавшем натюрмортами, в письме к В. М. Васнецову: «Не станет же талантливый человек тратить время на изображение, положим, тазов, рыб и пр. Это хорошо делать людям, имеющим уже все, а у нас дела непочатый угол».

К. Е. Маковский. «Алексеич», 1882, Третьяковская галерея, Москва

Тем не менее многие русские художники, не писавшие натюрмортов, восхищались ими, глядя на полотна западных мастеров. Например, В. Д. Поленов, находившийся во Франции, писал И. Н. Крамскому: «Посмотришь, как тут дело идет, словно по маслу, работает каждый в своем роде, в самых различных направлениях, что кому по душе, и все это ценится и оплачивается. У нас главным образом значение имеет, что сделано, а тут — как сделано. Например, за медный таз с двумя рыбами платят по двадцати тысяч франков, да еще в придачу считают сего медных дел мастера первым живописцем, и, пожалуй, не без резону».

Побывавший в 1883 году на выставке в Париже В. И. Суриков восторгался пейзажами, натюрмортами и картинами с изображением цветов. Он писал: «Хороши рыбы Гиберта. Рыбья склизь передана мастерски, колоритно, тон в тон замешивал». Есть в его письме к П. М. Третьякову и такие слова: «А рыбы Жильберта — чудо что такое. Ну совсем в руки взять можно, до обмана написано».

И Поленов, и Суриков могли бы стать прекрасными мастерами натюрморта, о чем свидетельствуют виртуозно написанные предметы в их композициях («Больная» Поленова, «Меншиков в Березове» Сурикова).

Большая часть натюрмортов, созданных известными русскими художниками в 1870–1880-х годах, представляет собой произведения этюдного характера, показывающие стремление авторов передать особенности вещей. Некоторые подобные работы изображают необычные, редкие предметы (например, этюд с натюрмортом для картины И. Е. Репина «Запорожцы пишут письмо турецкому султану», 1891). Самостоятельного значения такие произведения не имели.

Интересны натюрморты А. Д. Литовченко, выполненные как подготовительные этюды к большому полотну «Иван Грозный показывает свои сокровища послу Горсею» (1875, Русский музей, Санкт-Петербург). Художник показал роскошные ткани из парчи, оружие, инкрустированное драгоценными камнями, золотые и серебряные изделия, хранящиеся в царских сокровищницах.

Более редкими в то время были этюдные натюрморты, представляющие обычные бытовые предметы. Такие произведения создавались с целью изучения строения вещей, а также являли собой результат упражнения в живописной технике.

В. Д. Поленов. «Больная», 1886, Третьяковская галерея, Москва

Важную роль натюрморт играл не только в жанровой, но и в портретной живописи. Например, в картине И. Н. Крамского «Некрасов в период „Последних песен“» (1877–1878, Третьяковская галерея, Москва) предметы выполняют функцию аксессуаров. С. Н. Гольдштейн, занимавшийся исследованием творчества Крамского, пишет: «В поисках общей композиции произведения он стремится к тому, чтобы воссоздаваемый им интерьер, несмотря на его собственно бытовой характер, способствовал прежде всего осознанию духовного облика поэта, неувядаемого значения его поэзии. И действительно, отдельные аксессуары этого интерьера — тома «Современника», беспорядочно уложенные на столике у постели больного, лист бумаги и карандаш в его ослабевших руках, бюст Белинского, висящий на стене портрет Добролюбова — приобрели в этом произведении значение отнюдь не внешних признаков ситуации, но реликвий, тесно связанных с образом человека».

Среди немногочисленных натюрмортов передвижников главное место занимают «букеты». Интересен «Букет» В. Д. Поленова (1880, Музей-усадьба Абрамцево), по манере исполнения немного напоминающий натюрморты И. Е. Репина. Непритязательный по своему мотиву (мелкие полевые цветы в простой стеклянной вазе), он тем не менее восхищает своей свободной живописью. Во второй половине 1880-х годов похожие букеты появятся в живописи И. И. Левитана.

По-иному демонстрирует зрителю цветы И. Н. Крамской. Многие исследователи полагают, что две картины — «Букет цветов. Флоксы» (1884, Третьяковская галерея, Москва) и «Розы» (1884, собрание Р. К. Викторовой, Москва) — были созданы мастером во время работы над полотном «Неутешное горе».

Два «букета» Крамской продемонстрировал на XII Передвижной выставке. Эффектные, яркие композиции, изображающие садовые цветы на темном фоне, нашли покупателей еще до открытия выставки. Обладателями этих произведений стали барон Г. О. Гинцбург и императрица.

На IX Передвижной выставке 1881–1882 годов внимание публики привлекла картина К. Е. Маковского, названая в каталоге «Nature morte» (теперь она находится в Третьяковской галерее под названием «В мастерской художника»).

На большом полотне изображены лежащая на ковре огромная собака и ребенок, тянущийся из кресла к фруктам на столе. Но эти фигуры — всего лишь детали, нужные автору для того, чтобы оживить натюрморт — множество роскошных вещей в мастерской художника. Написанная в традициях фламандского искусства, картина Маковского тем не менее не трогает душу зрителя. Художник, увлекшийся передачей красоты дорогих вещей, не сумел показать их индивидуальность и создал произведение, главная цель которого — демонстрация богатства и роскоши.

Все предметы на картине словно собраны для того, чтобы поразить зрителя своим великолепием. На столе лежит традиционный для натюрморта набор фруктов — крупные яблоки, груши и виноград на большом красивом блюде. Здесь же большая серебряная кружка, украшенная орнаментом. Рядом стоит бело-синий фаянсовый сосуд, возле которого располагается богато украшенное старинное оружие. О том, что это мастерская художника, напоминают кисти, помещенные в широкий кувшин на полу. У золоченого кресла — шпага в роскошных ножнах. Пол устилает ковер с ярким орнаментом. Украшением служат и дорогие ткани — парча, отороченная густым мехом, и бархат, из которого сшит занавес. Колорит полотна выдержан в насыщенных оттенках с преобладанием алого, голубого, золотистого.

Из всего вышесказанного ясно, что во второй половине XIX столетия натюрморт не играл существенной роли в русской живописи. Он был распространен лишь как этюд к картине или учебная штудия. Многие художники, исполнявшие натюрморты в рамках академической программы, в самостоятельном творчестве больше к этому жанру не возвращались. Натюрморты писали в основном непрофессионалы, создававшие акварели с цветами, ягодами, фруктами, грибами. Крупные мастера не считали натюрморт достойным внимания и использовали предметы только для того, чтобы убедительно показать обстановку и украсить изображение.

Первые зачатки нового натюрморта можно обнаружить в живописи художников, работавших на рубеже XIX–XX столетий: И. И. Левитана, И. Э. Грабаря, В. Э. Борисова-Мусатова, М. Ф. Ларионова, К. А. Коровина. Именно в то время в русском искусстве натюрморт появился как самостоятельный жанр. Но это был весьма своеобразный натюрморт, понимаемый художниками, работавшими в импрессионистической манере, не как обычная замкнутая предметная композиция. Мастера изображали детали натюрморта в пейзаже или интерьере, и им была важна не столько жизнь вещей, сколько само пространство, световая дымка, растворяющая очертания предметов. Большой интерес представляют также графические натюрморты М. А. Врубеля, отличающиеся неповторимой самобытностью.

В начале XX века большую роль в развитии русского натюрморта сыграли такие художники, как А. Я. Головин, С. Ю. Судейкин, А. Ф. Гауш, Б. И. Анисфельд, И. С. Школьник. Новое слово в этом жанре сказал и Н. Н. Сапунов, создавший целый ряд картин-панно с букетами цветов.

В 1900-х годах к натюрморту обратилось множество художников самых разных направлений. Среди них были т. н. московские сезаннисты, символисты (П. В. Кузнецов, К. С. Петров-Водкин) и др. Важное место предметные композиции занимали в творчестве таких известных мастеров, как М. Ф. Ларионов, Н. С. Гончарова, А. В. Лентулов, Р. Р. Фальк, П. П. Кончаловский, А. В. Шевченко, Д. П. Штеренберг, сделавшие натюрморт полноправным среди других жанров в русской живописи XX века.

Натюрморт в европейской живописи XVI–XVIII веков

Питер Артсен

(ок. 1508–1575)

Питера Артсена совершенно справедливо называют родоначальником натюрморта в нидерландской живописи. Именно его религиозные и бытовые композиции, в которых предметы окружения выполняют особую функцию, положили начало новому для европейского искусства жанру. В картинах Артсена, изображающих мясные и рыбные лавки, внимание направлено не на человеческие фигуры, а на размещенные на первом плане предметы домашнего обихода и снедь.

Нидерландский живописец Питер Артсен родился в Амстердаме. Его учителем был амстердамский художник А. Клас. С 1527 по 1555 год Артсен жил и работал в Антверпене, где получил звание мастера, а в 1557 году он обосновался в Амстердаме.

Главные герои полотен Артсена — простые торговцы, крестьяне, кухарки и слуги, изображенные в окружении домашнего интерьера и предметов обихода. Натюрморт в этих композициях играет весьма значительную роль. Вещи у Артсена не только повествуют о занятиях изображенных людей, но и имеют и самостоятельное значение («Мясная лавка», 1551, Художественное собрание университета Упсала, Швеция; «Натюрморт», 1552, Музей истории искусства, Вена).

П. Артсен. «Натюрморт», 1552, Музей истории искусства, Вена

Особенно интересны картины Артсена, на которых художник представляет одну или две крупномасштабные человеческие фигуры («Крестьяне на рынке», 1550-е, Музей истории искусства, Вена; «Кухарка», 1559, Королевский музей изящных искусств, Брюссель; «Торговец дичью», Эрмитаж, Санкт-Петербург). Изображенные в несколько театральных позах, они в первую очередь привлекают внимание зрителя. От персонажей его взгляд переходит к натюрморту. Иногда на полотнах Артсена предметы быта, битая птица, овощи и фрукты настолько приближены к первому плану, что заслоняют собой маленькие фигурки участников религиозных сцен, разворачивающихся в глубине пространства. Таковы картины «Кухня со сценой бегства в Египет» (1551, Художественное собрание университета, Упсала), «Натюрморт со сценой Христа в доме Марфы и Марии» (1552, Музей истории искусства, Вена), «Христос в доме Марфы и Марии» (1559, Музей старинного искусства, Брюссель), где предметы, составляющие натюрморт, обладают символико-нравоучительным подтекстом.

Многие картины Артсена, в которых традиции старого нидерландского искусства сочетаются с элементами итальянского маньеризма (несоответствие пропорций и укрупненность человеческих фигур, предельная эмоциональная выразительность жестов и поз), свидетельствуют об интересе художника к живописи Италии.

Бытовые композиции и натюрморты Артсена оказали огромное влияние на дальнейшее развитие этих жанров не только в нидерландском, но и в европейском искусстве XVI–XVII столетий.

Бальтазар ван дер Аст

(1593/1594-1657)

Вместе с Амброзиусом Босхартом Бальтазар ван дер Аст стал одним из основоположников совершенно новых для своего времени картин с изображением цветов, фруктов, причудливых раковин, бабочек и других насекомых. Яркие, нарядные полотна Аста, заполненные красивыми предметами, пользовались большим успехом у голландской публики.

Голландский живописец Бальтазар ван дер Аст родился в Мидделбурге. В пятнадцатилетнем возрасте он потерял родителей, и его воспитанием занялся родственник, художник Амброзиус Босхарт, ставший для юноши учителем живописи.

Одна из наиболее значительных работ Аста — картина «Натюрморт с фруктами» (конец 1620-х, Эрмитаж, Санкт-Петербург), написанная в период его творческого расцвета. Художник помещает на первый план композиции разнообразные фрукты и цветы, словно стараясь приблизить зрителя к этому великолепию, рожденному природой. Здесь гроздья винограда, спелые яблоки и груши, абрикосы, сливы, смородина. Слева в изящной маленькой вазе стоят цветы, среди которых крупные розы, тюльпаны, гвоздики, маленькие анютины глазки и ландыши.

Вокруг плодов и цветов все живет и двигается. Летают бабочки и стрекозы, скачут кузнечики. Два больших попугая примостились на перевернутой корзине. Аст не пренебрегает даже самой мелкой деталью картины. И цветы, и фрукты, и насекомых он пишет одинаково тщательно и добросовестно. Маленькая мушка, сидящая на одном из яблок, кажется настолько натуральной, что у зрителя возникает желание согнать ее. Необычный вид картине придают раковины, разнообразные по форме и окраске. Локальные цвета делают изображение яркими, радостным.

Б. ван дер Аст. «Натюрморт с фруктами». Фрагмент, конец 1620-х, Эрмитаж, Санкт-Петербург

В «Натюрморте с фруктами» отсутствует глубина. Художник старается заполнить как можно большее пространство первого плана, как будто желая показать еще несколько красивых бабочек.

Необычные раковины и экзотические птицы не раз появляются в натюрмортах Аста. Кисти этого художника принадлежит картина «Попугай на раковине» (Эрмитаж, Санкт-Петербург), авторство которой исследователи долгое время не могли определить.

Б. ван дер Аст. «Попугай на раковине», Эрмитаж, Санкт-Петербург

Разработанная в ранний период творчества первоплановая композиция использовалась Астом на протяжении всей его жизни, о чем свидетельствует полотно «Тарелка с плодами и раковины» (1630, Эрмитаж, Санкт-Петербург), написанное уже зрелым художником. В этом натюрморте мастер также не распространяет изображение вглубь, показывая на первом плане разложенные, словно на выставке, разнообразные раковины, между которыми бегает юркая ящерка. На краю стола сидит бабочка, словно прилетевшая полюбоваться великолепным зрелищем. За рядом раковин стоит фаянсовая тарелка с бело-голубым орнаментом, заполненная виноградом, яблоками, персиками, абрикосами. Здесь же и обычный персонаж картин Аста — маленький попугай. От более раннего «Натюрморта с фруктами» картина «Тарелка с плодами и раковины» отличается приглушенным колоритом. Раковины исполнены в желтовато-перламутровых тонах, фрукты — в желто-лиловых. Ярким пятном выделяются лишь красные вишни.

Почти каждую свою значительную картину Аст писал в течение нескольких лет. Сначала он делал общий набросок, а затем постепенно заполнял полотно цветами и фруктами, которые расцветали и созревали в разное время. Для каждой детали было заранее приготовлено определенное место на холсте. Как и многие другие живописцы Голландии, Аст использовал для своих натюрмортов редкие сорта цветов и плодов, выращиваемых в садах этой страны. Поэтому на картинах голландских мастеров почти невозможно увидеть простые полевые цветы. Особой популярностью в среде художников пользовались экзотические раковины, привезенные из дальних краев, и тюльпаны.

Питер Клас

(ок. 1597–1661)