Терпение художника-паука. Текстильное искусство сегодня

Шёлковая традиция Китая возникла около 639-го. Художники используют изощрённые парчовые узоры и сложные газовые ткани и искусные вышитые изделия. Артистизм и техническое мастерство китайских мастеров и сегодня привлекают зрителей. Потребность в китайских шёлковых текстильных изделиях прослеживается во всех странах мира.

Японские текстильные изделия обладают высоким социальным статусом. Они обозначали чей-то возраст, ранг, гендер, социальное, политическое и религиозное содержание через мотивы, цветовые сочетания и формы для украшения. История текстиля также тесно переплетается с историей мировой торговли. Так, например, китайский шёлк и другие роскошные ткани являлись знаковыми товарами в торговле между различными странами. История текстиля очень богатая и сложная. И традиции ткачества, создания гобеленов, вышивок восходят к древней эпохе. Сегодня художники используют старинные японские текстильные техники и материалы, чтобы создавать новые эффектные работы.

Мы вступаем в контакт с текстильным искусством каждый день. От предметов одежды, которую мы носим, до различных изделий, которые украшают наш дом, художественный текстиль одновременно предстаёт красивым и полезным.

В начале своей долговременной истории текстильные изделия рассматривали не с точки зрения их эстетической ценности, красоты, а исключительно как подсобные предметы, приносящие пользу. Хотя такое мнение существует и сегодня, авторы текстильных изделий черпают вдохновение в прошлом, стремятся, чтобы их искусство постоянно обновлялось.

В истории текстильного искусства большую роль сыграл Международный форум, Биеннале гобелена в Лозанне в Швейцарии с 1962-го по 1995-й, где можно было проследить развитие текстильного искусства вплоть до появления передовых инсталляций из гибких материалов. Позже возникли другие биеннале. В 1998-м Китай купил права на Биеннале в Лозанне. В октябре 2010-го открылась 6-я Биеннале Лозанны в Пекине.

Техника и материалы

Текстильное искусство – одна из старейших форм искусства в человеческой цивилизации. Изначально создатели текстильных работ фокусировались не на их внешнем виде, а на различных способах их использования в практических, утилитарных целях. Имеются в виду предметы одежды или шерстяное одеяло, попона, покрывало, применявшиеся для сохранения тепла. Такие представления восходят к доисторическим временам: 100000 или 500000 лет назад. Подобные изделия создавались из кожи животных, меха, листьев и т. п.

В неолитических культурах текстильные изделия стали более сложными. Многие ранние вещи были сделаны с помощью валяния, затем их наполняли волокнами животных или шерстяными нитями, чтобы добиться прочной связи между ними. Помимо этого, в древности люди также занимались скручиванием нитей, прядением. Причём способ, с помощью которого они пряли, напоминал современные художественные практики.

В течение столетий ткачество было способом производства одежды. В некоторых культурах тканые формы демонстрируют социальный статус. Чем более замысловатыми были тканые предметы одежды, тем более они демонстрировали высокий статус у тех, кто их носит. Определённые символы и цветовые сочетания также позволяют идентифицировать класс и положение человека в обществе. Так, в древней цивилизации инков чёрные и белые узоры на текстильных изделиях свидетельствовали о военном статусе.

В Европе между четырнадцатым и семнадцатым столетиями тканые изделия под названием «гобелены» заняли на стенах место картин. А на Ближнем Востоке текстильные художники не производили гобелены или тканые работы, развешанные на стенах. Вместо этого, они создавали красивые текстильные изделия, на которых изображались не исторические сцены, а символы и сложные орнаменты. Как на знаменитых ардабильских коврах.

Другая текстильная техника – стёжка, подбивка, когда слои тканей простёгивались вместе. В последнее время стёганые настенные текстильные вещи стали популярными у коллекционеров. В этой нетрадиционной технике cтёжке, которая была особенно популярна в 1970-1980-е, часто использовались дерзкие, замысловатые узоры. Вкрапление текстильных элементов в произведения, манипулирование фрагментами тканей и нитью предоставляли художникам огромные возможности для творческих поисков.

В ХХ веке художники начали применять текстильные формы, техники, материалы в новых контекстах, исследуя теории и концепции, которые лишь недавно получили известность в мире искусства.

Создание одежды и других текстильных изделий было кропотливым и трудоёмким занятием – всё делалось вручную. К тому же было необходимо собирать волокна растений и животных и делать из них пряжу. Более того, процесс скручивания волокон, создания предмета одежды был утомительным и дорогим. Портной и швея видоизменяли предметы одежды, чтобы они могли функционировать длительное время. Всё зависело от того, насколько богатым был тот или иной человек, вовлечённый в процесс создания текстильных изделий, предметов одежды, чтобы он мог привозить из разных стран дорогие ткани различных цветов и хорошие красители. Благодаря Шёлковому торговому пути, китайский шёлк появился в Индии, Африке и в Европе. В то время, как производство одежды по-прежнему являлось доминирующим типом художественного текстиля, аристократия могла также заказывать декорирование стен, полов, мебели в своих дворцах. Так появлялись роскошные и изысканные текстильные работы.

Материалы, применяемые в текстильном искусстве, поражают своим разнообразием: пряжа, верёвки, бумага, ткани, фетр, металлические нити, пластик, пластиковые сети, ткачество с использованием пластмассовых тростинок, волокон трав, ветвей, животных… все творения с вышеперечисленными элементами относятся к Fiber Art. Среди избранных художниками техник – живописание и печать на ткани. Печать осуществляется с помощью самых разнообразных материалов: зубочистки, листы с фрагментами пряжи или травы, которые пришивались на основу ручным или машинным способом.

Каждый художник находит свою форму, средство выражения: инсталляции, ткачество с применением разнообразных гибких материалов, ассамбляж из материалов на сшитых слоях ткани, ассамбляж из элементов, связанных крючком или с металлическими нитями, с газетами, нарезанными на полосы и сшитыми, с вышивкой на бумаге и т. п.

Из форм текстильного искусства можно создавать различные изображения с использованием разнообразных жанров и видов искусства: от парящих фигур в квадратном обрамлении до скульптуры, инсталляции. А в 2017-м на 57-й Биеннале в Венеции (куратор Кристин Масель) демонстрировалось 20 необычных текстильных скульптур американской художницы Джудит Скотт (1943—2005), одной из крупных представительниц текстильного искусства США. Несмотря на проблемы со здоровьем (синдром Дауна), она смогла выразить свои чувства в глубоких, красочных и новаторских образах.

Приключения текстильного искусства

Ткань часто является синонимом авангарда или революции в сфере изящных искусств. Выбирая текстиль, художники настраивают себя на пластическое обновление и на новую интерпретацию материалов и техник, традиционно отождествляемых с ремесленничеством. До революционного взрыва на мировой художественной сцене с возникновением авангарда текстильные практики появились в конце Х1Х столетия с возникновения движения «Arts and Crafts», побудительным импульсом которого стали философские, социологические воззрения и арт критика британца Джона Рёскина. Он считал промышленную революцию угрозой для творчества, потому что она унифицировала художественные продукты и привела к утрате мастерами специфических навыков. По мнению Рёскина, ремесленники превратились в рабочих, обслуживающих машины. Он призывал художников вернуться к ремесленным техникам, к рукотворному творчеству.

Идеи Рёскина продолжали представители Art Nouveau, затем европейские авангардисты. К текстильным практикам обращались женщины-художницы: Соня Делоне во Франции, женщины-художницы Баухауза в Германии (Анни Альберс).

Европейские художницы-авангардистки использовали мягкие материалы для создания театральных костюмов, одеяний, предметов повседневного пользования и сотворения настоящих произведений искусства. Анни Альберс (1899—1994) – одна из таких ярких художниц. В 1923-м она посещала текстильную мастерскую в Баухаузе, где училась в течение десяти лет. Когда в 1933-м нацисты закрыли Баухауз, художница уехала из Германии, чтобы преподавать в США в колледже Black Mountain (Cеверная Каролина), который был недавно основан. Оказавшись в США, Альберс своими произведениями и теоретическими трудами стимулировала развитие и оказала огромное влияние на американское текстильное творчество. Её произведения и теоретические положения преподавания cтали основой текстильного искусства США.

У Анни было своё собственное и весьма необычное видение художественного текстиля, способов его преподавания. Она заявляла: «Я попыталась обучать студентов, начиная с нулевой точки и стремилась развивать их воображение. Я просила их представить себе, будто они находятся в пустыне Перу, без одежды, где ничего нет, даже керамических изделий (благодаря археологическим находкам, было доказано, что текстильные изделия появились раньше гончарного производства). И что в такой ситуации вы будете делать? Вы можете носить одеяния из кожи животных, чтобы защитить себя от солнечных лучей или от ветра. Но каким образом, постепенно, используя исключительно ткани и волокна, студенты смогут осуществить все свои замыслы? Я разрешила им применять любые материалы, которые можно было найти в этой ситуации, даже ветви деревьев».

Альберс обращалась к первичным, функциональным и эстетическим свойствам текстильных материалов. Вдохновлённая многочисленными поездками в Мексику, Перу и на Кубу, она создала художественный текстиль под влиянием текстильного ремесла, распространённого в различных южно-американских культурах. Анни и её муж Йозеф Альберс, художник, теоретик, педагог, обладали впечатляющей коллекцией предметов доколумбовой Америки и ремесленных изделий, собранных во время путешествий в Южную Америку (Мексика, Куба, Перу). Она была первой женщиной-художницей по текстилю, представленной на персональной выставке в Музее современного искусства в Нью-Йорке, в 1949-м.

В 1965-м Анни опубликовала текст «О ткачестве», фундаментальную книгу для понимания её концепции, её текстильного демарша. Она писала о том, что нужно преодолеть два ложных постулата: предположение о том, что производство дизайнерских вещей и создание произведений искусства – профессии, конфликтующие между собой. Второй ложный постулат – предположение о том, что работа с использованием текстильного средства является ремесленным изделием, что её нельзя назвать полноценным искусством.

В 1960-1970-е художники и феминистские теоретики вдохновлялись работами и харизматической личностью Анни Аьберс, искусство которой и сегодня воспринимается как историческая и важная отсылка в сфере текстильного творчества.

Проникновение текстильных элементов и волокон в «высокое искусство» началось с возникновения феминистского движения в 1960-е и 1970-е. Художницы-феминистки переосмысляли текстильное искусство, включая художественные практики, которые в иерархии искусств традиционно занимали низкий статус так называемого «женского творчества». Поскольку ткачество, вышивка, вязание считались типично женским способом проведения досуга, важный шаг на пути развенчивания этого стереотипа сделала Джуди Чикаго (1939), которая разработала первую феминистскую программу в США. Она сотрудничала со многими творцами, работающими с текстильным искусством. Её инсталляция «Званый ужин» (1974—1978) была одним из первых произведений, включающих ручную и фабричную вышивку и функционировала как символическая история выдающихся женщин в западной цивилизации.

«Званый ужин» Джуди Чикаго, вызвавший неоднозначные оценки критиков, притягивает и рождает противоречивые чувства. Инсталляция представляет собой длинный, треугольный банкетный стол с тарелками для 39 персонажей – женщин, сыгравших важную роль в мировой истории: от бабушки американского модернистского искусства Джорджии О’Кифф до женщин, активно выступающих за социальное равенство мужчин и женщин. Это одно из самых знаковых произведений феминистского искусства. Инсталляция «Званый ужин» демонстрировалась в 12 музеях на трёх континентах (октябрь 2017). Выставку посетили 15 млн зрителей. В творческом процессе создания произведения принимало участие 400 ассистентов – художники, специалисты по вышивкам, керамисты, плотники, офисные сотрудники, которые работали группами по 20—25 человек.

При более пристальном рассматривании инсталляции «Званый ужин» обнаруживаешь, что в каждом месте за столом для каждой женщины имеется отверстие в столе с её вышитым именем. Здесь же находится сделанный по заказу кубок и цветная тарелка с изображением вульвы, расписанной от руки, психоделического типа, иногда трёхмерной. С каждой стороны стола по 13 вульв. Возможно, это намёк на фреску «Тайная вечеря» Леонардо да Винчи. Но символическая ориентация Чикаго иная: напоминание о женщине-жертве насилия или намёк на её превращение в вещь. Мужчины по-прежнему доминируют в обществе, подчёркивает художница.