Одиссея «корабля дураков»

Как трубач без трубы,

Как избарь без избы Вот таков пионер без «Ежа».

В 20-ые годы прошлого века заслуга детских поэтов и писателей в воспитании детей, как активных членов советского общества, была большой. Но было бы ошибкой приписывать Хармса к их числу. А вот как поэт объяснял правила написания стихов: «Стихи надо писать так, что если бросить стихотворением в окно, то стекло должно разбиться».

Обратимся к миниатюре Хармса о детях. К примеру, одна из них: «Я знал одну даму, которая говорила, что она согласна переночевать в конюшне, в хлеву со свиньями, в лисятнике, где угодно – только не там, где пахнет детьми. Да, поистине, это самый отвратительный запах, я бы даже сказал: самый оскорбительный».

В промежутке с 1933 по 1938 года он написал «Случаи» – цикл из 30 абсурдных миниатюр. Одна из них – «Голубая тетрадь №10». Автор пишет, что «жил был рыжий человек, у которого не было глаз и ушей и даже волос, в общем, ничего не было. Но почему-то его называли рыжим». А конец миниатюры таков: «Уж лучше мы о нем не будем больше говорить». Эти строки удивительно напоминают мысли Мевланы: «О, какие я повидал одеяния, внутри нет человека. И каких я повидал людей, на спине нет одеяния». Как видите, творческие люди разными способами подтверждают одну мысль.

О творчество Хармса Ян Шекман отмечает в статье «Логика абсурда»: «Хорошо известны аллюзии Хармса на Лао-Цзыденских патриархов, Гете, Пушкина, Ницше, Пруста, Бергсона… А также композиционные, стилистические, сюжетные, концептуальные и иные совпадения и аналогии с Андре Бретоном, Гамсуном, Сартром, Ионеско, Беккетом, американскими битниками и т.д., то есть теми, кто работал в литературе одновременно с ним, а также после него. Таким образом, Хармс, всю жизнь писавший о раздробленности и хаотичности бытия, Хармс, жизнь которого – это сплошное воплощение идеи изолированности и отсутствия будущего, посредством литературы, а значит на метафизическом уровне, оказался прочно связан с миром по горизонтали, то есть в пространстве и по вертикали – во времени. Изоляция была преодолена. Это вполне логично…».

А в некоторых стихах Хармса абсурд доходит до предельной точки. Можно встретить такие мысли, как «вместо солнца золотое колесо», «собаки, летающие как птицы», «под океаном стоит часовой с ружьем». В большинстве случаев нелогичные стихи утомляют читателя. В таком виде до нас дошли впечатления Амадея Фарада от игры на разных инструментах: «тю-лю-лю, турлим ту-ру-руфарлай, динь ди-ринь, дун-дндири-дон». Я считаю, что это новая «прибаутка» музыкальных нот. А разве стих посвященный А. Введенскому, это не прибаутка?

В смешную ванну падал друг Стена кружилась вокруг. Корова чудная плыла,

Над домом улица была.

О Данииле Хармсе можно говорить во многих жанрах искусства. В 1933 году он нарисовал «Портрет у окна», изобразив себя черной тенью, словно выглядывающей из окна. И это один из образов Хармса, дающий прочувствовать, насколько тот далек от реальной жизни. Вот что писал о нем Николай Харджиев: «Как член «Объединения Реального Искусства», Хармс рисовал картины. Он изрисовал стены своей комнаты. Даже бумажный абажур лампы он украсил необычными рисунками…».

Немного отойдя от темы, отмечу, что украшение Хармса рисунками стен своего бедного жилища напомнило мне известного режиссера Жана Кокто, который также украшал стены своего дома. Он изрисовал стены, полы и даже потолки своей виллы Санто-Соспир во Франции рисунками, напоминающими античные времена. Также отмечу, что сегодня эта вилла принадлежит одному из поклонников творчества Кокто, русскому олигарху. Хотя он и не превратил виллу в музей, но двери ее всегда открыты посетителям, желающим ближе познакомиться с жизнью и творчеством Кокто.

В отличие от богатой и роскошной жизни Кокто, Даниил Хармс большую часть своей короткой 36-летней жизни провел в бедности и голоде. Хармс любил живопись, но его любовь к музыке была безгранична…Среди современников он высоко ценил Шостаковича, в особенности его оперу «Нос»… На самом деле, главной целью Шостаковича, обратившегося к Гоголевскому «Нос»у, было высмеять правление Николая I. В период 1930—1931 годов опера была показана 16 раз на сцене Малого Оперного Театра. Но под давлением общественного мнения её пришлось снять с репертуара. В 1962 году партитура «Нос»а была издана венским издательством «Universal Edition», после чего оперу стали ставить на подмостках различных зарубежных театров. Сальвадор Дали в «Дневнике одного гения» пишет: «Нос» и «Записки сумасшедшего» Гоголя могли бы также рассматриваться как составная часть далекой предыстории сюрреализма».

В 1941 году Хармс был арестован. Он категорически отказывается идти на войну и заявляет, что даже под угрозой расстрела он не наденет военную форму. Для Хармса, всегда выделявшегося эпатажным видом, стать обычным среди масс равно смерти. И чтобы спастись от расстрела, он прикидывается сумасшедшим. По решению военного трибунала Хармса отправляют в психиатрическую больницу по причине психического расстройства. Он умирает в больнице от голода во время блокады Ленинграда. Избежавший расстрела, он не смог спастись от голодной смерти. Мастера с такими необычными чертами характера обречены на ранний уход из жизни. Думаю, изречение Шарля Бодлера будет к месту: «Я нож и рана». Эти люди с трагичной судьбой думают, как сказал Блок: «Я пригвожден к трактирной стойке. Я пьян давно. Мне все равно». Жизнь вдали от творчества для подобных Хармсу – не настоящая жизнь.

Я хочу продолжить свои мысли словами Роберта Фаулза: «Для писателя очень важно жить меж двух миров, я бы сказал это основной определяющий фактор… На самом деле неспособность жить в реальном мире, поэтому приходится стремиться к нереальным мирам. Я бы сказал, что это относится ко всем профессиям…».

Поэт и философ Шамс Табризи в одном из стихов написал: «Опереди слово чтобы увидеть простор и свободу». Конечно, ведь в этом просторе слово, словно птица, свободно. Если же эта свобода не стоит на службе у любви, красоты и гармонии, то она превращается в фантасмагорию, способствует распространению хаоса. Даже в юморе сюрреализма реальность – это мишень для насмешек, как говорится, «сонной» критики. К примеру, Андре Бретон в своем «Манифесте» так охарактеризовал сюрреалистов: «Деборд Вальмор – в любви, Бертран – в изображении прошлого, Бодлер – в морали, Рембо – в жизненной практике, Нуво – в поцелуе, Фарг – в создании атмосферы, Реверди – у себя дома, Руссель – в придумывании сюжетов – настоящие сюрреалисты». Почему-то я вспомнила мысли Э. Хемингуэя из шести слов напоминающие сюрреалистичный сон: «Я спрыгнул. А потом изменил решение». В этом последнем и опоздавшем признании скатившегося вниз человека, чувствуются отличительные черты Хемингуэя. Наверное, Андре Бретон назвал бы Хемингуэя сюрреалистом в самоубийстве. Для таких людей граница между жизнью и смертью стерта. «Скатываясь вниз головой», их гениальность одновременно и осознает, и отрицает себя. Вспомним храбрую позицию против общества и искусства французского художника Марселя Дюшана и его попытку превращения красоты в уродство, а именно картину «Усатая Джоконда», нарисованную им в 1919 году. Свое творение он считал более современным и интересным. Оригинальное творение Леонардо да Винчи он называл «Бритой Джокондой». Не разделявший взгляды сюрреалистов, Жан Поль Сартр писал: «Во всех своих творениях они стремятся вместе с собой уничтожить и все реальное».

Талантливые интеллигенты каждого нового поколения старались поймать ритм времени, в котором жили и своим искусством показать протест тяжелым итогам войн. Биение этого пульса ощущается ярче в поэзии, музыке, живописи и оно занимает особое место в зарождении и развитии новых художественных веяний в обществе. Карл Густав Юнг писал: «Чем больше этот мир становится ужасным, тем абстрактней становится его искусство, однако в мирное время в искусстве появляется реализм. Большинство веяний распространяются именно в военное время».

До начала ХХ века в изобразительном искусстве Европы господствовал реализм. Но когда во время Первой Мировой Войны, мир в глазах представителей искусства потерял свою гармонию и рациональность, то словно и изображение жизни постепенно потеряло свой смысл. Взгляд на мир творческих людей стал резко меняться.

Теперь они изображали не то что видели, а то, что чувствовали.

Т.А.Пархоменко в статье «Первая Мировая Война и интеллигенция России» пишет: «Война – трагедия истории и отношение к ней интеллигенции всегда была неоднозначной… Наиболее полно и ярко пацифизм творческого сообщества был выражен М.А. Волошиным: «Я отказываюсь быть солдатом, как европеец, как художник, как поэт», – писал он в 1914 году военному министру В.А. Сухомлинову – «Как поэт, я не имею права поднимать меч, раз мне дано Слово, и принимать участие в раздоре – раз мой долг – понимание». Последователи Л.Н.Толстого принимали в этом движении особенно активное участие. Антивоенное движение получило широкий мировой резонанс…Всех поражало, например, с каким апломбом военный министр России «генерал Сухомлинов хвастался тем, что за двадцать лет он не прочел ни одной книги» таким же, в большинстве своем был и командный состав армии, прозванный князем С.П.Оболенским «диктатурой пьяных полковников» под власть которой миролюбивая интеллигенция никак не хотела попасть».

Также в статье упоминается приезд в Россию в 1914 году основателя футуризма Ф.Т. Маринетти. Еще в 1903 году в своем романе

«Разрушение» он писал, что нужно снести все библиотеки, музеи, все прошлые центры культуры и называл войну гигиеной мира. Я не буду вдаваться в подробности, рассказывая о творческих людях, протестующих против войны, либо уклоняющих от нее. Как я писала выше, войны и революции создавали большие возмущения в умах и сердцах людей. И хотя в их духовном мире запаха пороха и ужаса смерти нет, позиции большинства интеллигенции до и после войны менялись.

Тут к месту вспомнить мысли Жоржа Батайа: «Внутри себя я открыл театр. Здесь играют фальшивый сон. Подделка под ничто и я обливаюсь потом, настолько мне стыдно. Надежды нет, смерть – задутая свеча». Разумеется, репертуар этого «театра» – время, а монологи абстрактных актеров принадлежат автору. Веками войны, как и спектакли, «играют» на полях сражений. Кровь, проливающаяся там, ужасающие сцены сражений и смерти не могут повлиять на восход и заход ни солнца, ни луны. Словно они не слышат криков и лязга оружия, разносящихся по этому кровавому полю. Как ни в чем не бывало, они одинаково освещают и согревают своими лучами обе враждующие стороны. Социальная несправедливость, тяжелые итоги войн, растерзанные судьбы людей усугубляют их внутренние потрясения. Жизнь и смерть в их глазах обретают новый, иной смысл. Возможно, именно поэтому сюрреалисты стремились отгородиться от реальности и уйти в параллельную реальность. В их снах люди не гибнут как в настоящих войнах, кровь не проливается, государства не отделяются границами, карты не изменяются и возможно эта свобода и дает им крылья и вдохновение. Кто знает?!

В 1938 году в Париже было опубликовано собрание сочинений «Траектория сна», куда попали сюрреалистические сочинения писателя русского происхождения Алексея Ремизова. Он, как и другие авторы, пытался объяснить «анатомию» сна. Думаю, мы не ошибемся, назвав рассказ А. Ремизова «Переход и затор» художественным сном. Демонические авторы «творцы своих снов» более всех привлекали его. Он пишет цикл миниатюр о снах из произведений Гоголя. Он пишет книги о Пушкине, Лермонтове и Тургеневе. Среди своих современников он был не единственным, кто рассуждал о метафизической природе снов. Ремизов писал: «Я рассыпаю слова и по их звучанию формирую мысль». А. Блок по идейному содержанию его творений называл Ремизова достоевщиной в кубе. Однако представители старшего поколения Куприн, Горький, Андреев, Короленко отрицательно оценивали далекое от реальности творчество Ремизова. Из книги Елены Обатниной: «Алексей Ремизов: личность и практики писателя»: «В широком диапазоне дарования писателя нашли отражение самые различные идейно-эстетические и художественные парадигмы». В творчестве Ремизова немалую роль сыграло близкое сюрреализму «снотворчество», написанное в жанре мемуаров. Привнося в творчество свои личные сны, он начинает осознавать новый образ мышления, природу другой действительности. Его известный роман «Пруд» привел в замешательство читателей, а роман «Часы», не успев выйти в свет, подвергся запрету: вначале за неуважение к верховной власти, затем за оскорбление нравственности. В романе «Часы», написанном в 1908 году поэт Корней Чуковский отмечает о существовании идей мистического анархизма.

Ремизов говорил: «Я мог бы за Гоголем повторить слово в слово: «Да, все обман, все мечта, все не то, чем кажется»». Но он также понимал, что общество, в котором он живет, морально еще не готово к этому признанию. Лишь эмигрировав в Париж, Ремизов смог свободно выражать свои мысли. Он был высоко оценен не в России, а в эмиграции, представителями французского авангардизма. Если Пастернака называли Гамлетом ХХ века, то Ремизова называли сказочником и волшебником русской литературы. М. Волошин говорил: «Ремизов ничего не придумывает. Его сказочный талант в том, что он подслушивает молчаливую жизнь вещей и явлений…К сожалению, в эмиграции в период с 1931-1949 года Ремизов не смог выпустить ни одной книги. Его произведения, написанные каллиграфическим почерком, составляют четыреста тридцать тетрадей.

В 1922 году он покидает Родину, как эмигрант. Ирина Вербловская пишет, что по указу Ленина более 200 русских ученых, писателей, деятелей искусства на двух кораблях не по доброй воле покидают страну. Среди них А. Ремизов, Н. Бердяев, А. Кизеветтер, Н. Лосский, П. Сорокин, Ю. Анненков, Ф. Шаляпин. Шаляпин отправляется в дорогу сразу после своего последнего концерта в филармонии и больше никогда не возвращается в Россию.

Но в ХХ веке были и мастера, прославившиеся только после смерти. На самом деле, произведения этих людей предназначены не для времени, в котором они жили, а для будущих времен. Один из таких необычных людей – Сергей Калмыков. В сочинении «Необычный абзац» он отмечал, что художник прежде всего мечтатель. Именно его мечты и намерения делают художника мастером. Он долгие годы работал в театре оперы и балета имени Абая художником-декоратором, а также как египтолог, скульптор, писатель, живописец, архитектор, прозаик он оставил после себя бесценные произведения. Он писал: «Что мне какой-то там театр? Или цирк? Для меня вся жизнь – театр». Он был единственным представителем Серебряного Века, дожившим до 60-х годов. Хотя Калмыков и родился в Оренбурге, последние годы жизни прожил в Алма-Ате, а свои дни окончил в Алма-Атинской психиатрической лечебнице. История о том, как он туда попал довольно странная. Калмыкову заказывают нарисовать портрет Никиты Хрущева. Работа была выполнена мастерски: Никита Сергеевич выглядел «как живой». Заказчики уже хотели повесить картину на стену и вдруг с ужасом заметили: вместо звезды Героя на лацкане генсека болталась на муаровой ленточке муха. То, что Калмыков нарисовал именно муху, тоже не случайно. На самом деле муха олицетворяла черную, мистическую силу. Нужно отметить, что художник никогда не жил по требованиям реальной жизни. И потому иногда в его картинах можно было встретить гротеск и карикатуры. Из-за своей дерзости над художником нависла угроза ареста и поэтому Калмыков ложится в Алма-Атинскую психиатрическую лечебницу, тем самым избежав ареста. Желание многих стран укрепить свою военную промышленность, вооружиться, властвовать над миром, казалось Калмыкову смехотворным. Символично, что наградой тех, кто раздувают из мухи слона и белое называет черным, стала именно муха. Калмыков говорил, что современное оружие и техника, которыми владеют страны, в сравнении с энергией космоса просто смехотворны.

Он был настолько увлечен своим творчеством, что напрочь забыл о своем здоровье, полуголодный проводил дни в уединении. В романе «Факультет ненужных вещей» Юрий Домбровский описал необычную жизнь художника. Фантастические, далекие от реальной жизни темы можно было сравнивать со снимками из космоса. Краски в картинах Сергея Калмыкова очень отличаются от красок реальной жизни. Мифологические сцены в его произведениях окрашены в цвета астрального мира. В ХХ веке теософия и космические идеи захватили умы ученых. Циолковский, Чижевский, Рерих были уверены в том, что процессы, происходящие в космосе, влияют на жизнь на Земле. Калмыков мог, отгородившись от действительности, путешествовать по другим мирам. Он писал: «Я проходил по плитам, испещренным всяческими знаками. Меня сопровождали разные звери и птицы! Рыбы сочувствовали мне в своих специальных водоемах! Птицы пели! Солнце светит лучами! Все блистало переливами остро-нежных красок! Сколько было разных камней! Синих! Белых! Розовых! Желтых! Черных! Голубых! Очень много! Я это видел. Я проходил мимо всего этого!» Доктор искусствоведения, профессор кафедры всеобщей истории искусств Исторического факультета МГУ, член-корреспондент Академии Наук Российской Федерации В. С. Турчин в статье «Философия бытия в творчестве Сергея Калмыкова» отмечает: «Калмыков приучал себя к судьбе необычайной, подвижнической и миссионерской. Знакомство с теософией сильно помогло ему осознать взаимосвязь всего сущего, затаить русской идей космизма «быть в полете».

С. Калмыков в своем дневнике писал: «…глаза надо тренировать, дабы они видели и линии, и цвет, и перспективные сдвиги, искажения! А то ходят как от рождения слепые и воображают, что умны. И никто не умеет смотреть на то, что у вас перед глазами. Зачем, мол, цвет, линии, краски? Это де –шарлатанство, абстракция. Смысл, мол, в том, что у всех на виду. Не в существовании идеологии дело. И не в их борьбе! Это все болтовня!.. Хотят заставить всех оставаться дураками! Хотят запретить говорить, думать, смотреть! Действовать только так, как принято, то есть в наше время, по дурацки! …Одно и тоже! Одно и тоже! До одурения! До смерти! А потом хлоп! Разочарование!» Как видите, мастер решительно отвергает идеологические принципы социализма. Преодолевая стены, отражающие реализм социализма, он становится полноправным владельцем своей одинокой жизни и искусства. Массовость, обыденность – понятия чуждые Калмыкову. Хоть Калмыков и был удален от общества, но его маленькая, грязная палата в сумасшедшем доме была способна раскрыть широкие горизонты для художественных идей. Его адрес – это живое пространство, фантастические существа, невидимые обычному взгляду, яркие картины природы. Он готовился прожить несколько столетий и почему-то верил в это… Но главное заключалось в том, что ему удалось выполнить свою высшую миссию с великой преданностью, трудностями, достоинством и терпением. Художник Любовь Плахотная пишет в своих воспоминаниях: “Изредка Союз Художников Казахстана помогал ему материально. В начале 50-ых годов местком купил ему новое пальто. Калмыков немедленно распорол его, вставил крылья-клинья, раскрашенные масляной краской, и заявил всем, что продолжает создавать новую мировую моду. Та же участь постигла и несколько подаренных ему костюмов». Из афоризмов Калмыкова: «Надо уметь быть непонятным, но простым, понятным, но сложным. Надо дробить простые поверхности. В этом существо живописи».

«Калмыков прочитал книгу «Ступени. Текст художника» Василия Кандинского, изданную в Москве в 1918 году и нашел в ней много важного для себя. Именно поэтому, он неоднократно обращался в 1920-1950-е годы к опытам абстрактного искусства, в которых продолжал традицию «импровизаций» основоположника беспредметного искусства». (В. С. Турчин)

Не удивительно, что Калмыков целыми днями творил, не зная покоя. Он автор тысяч легенд, афоризмов, эссе, романов и либретто «Лунный джаз». По стилистике его творчество многогранно. В нем можно встретить реализм, импрессионизм, сюрреализм, дивизионизм и другие жанры. Художник, обладающий умением китайской каллиграфии, зеркального письма, графики живописи, возводил на холсте Вавилонскую Башню, создавал проекты дорог древнего Египта, известные ему одному аппаратов, которые могут жить в космосе.

Калмыков называл гениальность – биологической трагедией. На самом деле он ощущал эту «трагедию» вдалеке от времени, в котором жил – на горизонтах творчества. В статье «Профессиональный гений» А. Яковлева отмечает, что дружба со «всем миром» заменяет ему дружбу с конкретными людьми. Он полностью пожертвовал собой ради творчества. А ведь на это не каждый способен. События в его картинах «Три грации», «Девушка, расчесывающая волосы», «Кариатида» и другие изображены по-Калмыковски. Один из нейрохирургов увидел в его картине основы нейрохирургии. Художник в точности передал биение нижних частей нервных клеток спящего мозга. Он смог передать работу спящего мозга.

После смерти художника, некоторые его картины повесили на стены психиатрической больницы. Остальные же хранятся в архивах, музеях, личных коллекциях. Превратившаяся в «биологическую трагедию» гениальность Сергея Калмыкова, пожертвовавшего своей жизнью, проведенной в нищете и голоде, своим священным желаниям, позднее завоевала сердца почитателей искусства. Даже его поклонник русского происхождения Алекс Орлов, живущий в Америке, продав свое имущество за 1 миллион долларов, начал искать в личных коллекциях по всему миру наследие Сергея Калмыкова и в течении года скупил большую часть его работ. Алекс Орлов создал фонд Калмыкова, напечатал альбом-каталог его работ. Но самая большая личная коллекция работ художника принадлежит Ричарду Спунеру. Оставивший своим творчеством далеко позади век, в котором жил, Сергей Калмыков был художником космического пространства, которое и было его настоящим домом и источником вдохновения. Еще при жизни его ноги словно оторвались от земли и он, как путник дивного, тайного творческого мира, смог открыть дверь в вечность.

Сергей Калмыков предвидев свое будущее писал в своем дневнике: «Хвастливость и известность-две вещи несовместимые», и вот сейчас говорю: «Скоро обо мне заболтают-это будет что-то особенное»! Но в этих словах, как ни странно, нет противоречия! Что значит «скоро» с точки зрения вечности»?! Скоро – может значить «очень не скоро»: через несколько тысяч лет, по- моему!. И меня будут хвалить, и я буду известностью. Когда уже не смогу быть хвастуном, когда меня уже не будет»!

Хоть творческие люди живут и творят в разные эпохи, в разных жанрах, их адресат один – вечность. Они познают мир своим внутренним миром… Жорж Батай живет в виртуальном театре, который открыл внутри себя, Сергей Калмыков же считает свою жизнь театром. В его театре художник сам и постановщик, и актер, и зритель. Римский император Октавиан Август сказал: «Как вам кажется, хорошо ли я сыграл комедию своей жизни? Если вам понравилось, может вы, поаплодируете мне? Самая главная реплика произносится, уходя со сцены».

Отойду немного от темы. Издревле основателем театра считался Эсхил. В те далёкие времена сначала играли трагедию, а затем комедию. Луций Анней Сенека (младший) говорил, что жизнь – это пьеса и не так важно, сколько она длится, важно, как ее играют.

Однако, сколько гениев с успехом сыграли на сцене жизни, которую Шекспир называл театром?! Отмечу, что одним из владельцев знаменитого театра «Глобус» был У. Шекспир. В ту эпоху по жанру пьесы, которую играли на сцене театра «Глобус», перед театром вывешивали флаг. Если играли трагедию – флаг был черным, если комедия – белый флаг, если историческая драма – вывешивали красный флаг. В 1599 году красный флаг перед театром приглашал на премьеру пьесы У. Шекспира «Юлий Цезарь». История всегда приветствует с уважением и аплодисментами не только тех, кто находится внутри театра, но и тех, кто «носит» театр в себе.

Опыт каждой эпохи воспитывает своих мастеров, философов, ученых. Но сегодня «под воздействием техногенной цивилизации, искусство теряет свойственный ему характер эволюции, меняются не только его стиль и формы, но и его основы». Видимо поэтому видные деятели своими открытиями, своим творчеством смогли наложить отпечаток на время, в котором жили. Ф. Шлегель сказал: «История – это пророк, заглядывающий в прошлое». Давайте ненадолго отправимся в прошлое, в XV-XVI века.

В 1492 году Христофор Колумб открыл Америку и Испания, как колониальное государство, стало обогащаться. В Европе свирепствовала чума, ее называли «черной смертью». Мартин Лютер привнес в христианство новшества, такие понятия, как свобода. А какие новшества принес в исскуства художник Иероним Босх? Вспомним его триптих «Сад наслаждений», говорят, так его назвали исследователи. На протяжении веков это творение искусства было темой жарких споров. Триптих хранится в Мадриде, в музее Прадо. В триптихе Босха, считающегося отцом сюрреализма (Андре Бретон называл именно его основателем сюрреализма), не только у обнаженных людей, птиц, зверей, фантастических предметов, но даже и у цветов есть свое глубокое значение. На самом деле, автор с большим мастерством использовал в произведении символы бестиария. Животные – верблюд, заяц, свинья, лошадь, лягушка – живые создания воображения Босха. Фрукты и цветы символизируют временность мирских наслаждений. Розовый цвет символизирует жизнь и божественность, голубой – мир, красный – страсть, коричневый – интеллект. Хотя в изображении рая, использовано много зеленого цвета, в аду его не встретить. За каждое деяние человек награждается либо раем, либо адом.

Несмотря на то, что этот триптих носит религиозный характер, его было запрещено показывать ни в одном религиозно значимом месте. На триптих надо смотреть слева направо. Говорят, что в картине фантастическая стеклянная посуда напоминает предметы для магии. Это произведение известно еще и под названием «Алхимический сад». Фантастические сцены из этого триптиха почему-то напоминают мне сцену из 29-ой песни «Чистилища» «Божественной комедии» Данте. Там дается необычное описание божественного света, людей, животных, природы, в частности полу-золотого, полу-красного грифона. Кроме того, описание женщин с разноцветными телами, повторяющих танец трехглазой танцовщицы, семь человек в одеждах духовенства с сиянием на лбу и венком из красных роз на голове, прекрасная тема для кисти художника. Созданный словами пейзаж не остается незамеченным читателем. Стоит отметить, что анализ «Сад наслаждений» может занять достаточно много времени. Но в итоге, до конца не понять задумку Босха… Отмечу, что голые люди на картине в основном розового цвета. Объяснение этому дает только Джонатан Блэк в книге «Тайная история мира»: «Такие художники, как Питер Брейгель и Иероним Босх часто изображали проточеловеческих существ, состоящих из розовых восковых костей. Художественные критики до сих пор не обнаружили источник этих образов, «зашифрованным» в книге мягким и аморфным, теперь начинает затвердевать. Яков Бёме в своем комментарии в Книге Бытия писал «что со временем (тело человека) превратилось в кость, затем затвердело и стало похоже на воск». Согретые солнцем, его зеленные конечности также начали приобретать розовый оттенок».

Как и в «Корабле дураков», в сцене ада в «Саду наслаждений» монахи, обычные люди хором распевают песни в пьяном состоянии. Наказанием в аду стали музыкальные инструменты людей, которые провели жизнь лишь в развлечениях. Ныне же, музыкальные инструменты обернулись в орудия пыток против них. На картине, в сцене ада есть темнокожие люди, лягушки, совы, рыбы, безымянные странные существа, символизирующие темные силы. Творчество художника не типично для европейской живописи. Сюрреалистичные, комичные сцены ада и рая незабываемы. Произведение Босха словно вселенская симфония в 4-х частях. Что же хотят зрителю сказать замолкнувшие звуки, ноты позади раздавленного человека в сцене ада, толстая книга, состоящая из нот? Мелодия, представленная одним из исследователей картины, желающим озвучить эти ноты, оставила во мне после прослушивания глубокий след. Музыка, исполняемая на древних инструментах, словно воссоздает связь с картиной. Думаю, лучше всех понять музыкальный язык героев и событий в произведениях Босха смог бы Альфред Шнитке, потому что большинство произведений, сочиненных им в сюрреалистичном духе и сегодня звучало бы в унисон с триптихами. Например, «Сюита в старинном стиле», «Концерт для хора», «Желтый цвет» и другие…

В книге “Тайная ересь Иеронима Босха» Линда Харрис пишет: “Как ни странно, но творчество Иеронима Босха так и не было понято, отдельные попытки искусствоведов иногда кажутся убедительными, но структуру его символики так никто и не охватил… Оказывается художник, которого на протяжении всей его жизни считали «добропорядочным» христианином, вел двойную жизнь, и все его произведения последовательно передают доктрины, отдаленные от канонического христианства». Дабы понять мысли Линды Харрис нужно обратится к его картине «Корабль дураков». В древности церковь называли кораблем… В 11-ой песни «Рая» «Божественной комедии» Данте отмечается, церковь – корабль Петра: «Достоин был вдвоем ладью Петрову, средь волн морских по верному пути!» Затем, в 25-ой песни вспоминает как церковь, в которой его крестили: «Затем что в веру, души перед Творцом Являющую, там я облачился. И за нее благословлен Петром». Как те люди, что спаслись в ковчеге Ноя, так и «плывущие на ладье» Петра, будто бы обретут спасение в христианской религии. В «Корабле дураков» Иероним Босх разоблачает тех, чьи мысли и деяние противоречат друг другу.

Важно отметить Паолу Волкову, запомнившуюся интересными передачами и лекциями о творчестве И.Босха. Видный культуролог Паола Волкова известна своими авторскими передачами «Мост над бездной», в которых она своеобразно анализирует произведения искусства всемирно известных авторов. После прослушивания интересных лекций обладающей энциклопедическими знаниями Паолы Волковой, смотришь на мир, на искусство по-новому, стараешься узнать историю гениев, прославившихся своими произведениями. Обратимся к ее мыслям: “Я полагаю, что вся та история культуры, которую мы знаем не только благодаря тому, что она является предметом музейного хранения или археологического обнаружения, а еще и потому что она отвечает на какие-то вопросы и сейчас. Это непрерывная история комментария. ХХ век –это век комментария. Это мост через бездну. Мы переговариваемся с нашим прошлым. Благодаря этому бесконечному комментарию с мировой художественной культурой, мы имеем психологическое, интеллектуальное и душевное богатство. Сегодня, несомненный кризис идей и идеологии».

Известный эссеист и психолог Ревекка Фрумкина пишет в своей статье посвященной Паоле Волковой: “В одном из интервью Паола Волкова рассказала, что когда в 70-е годы она оказалась за границей и впервые смогла увидеть Вермеера, Веласкеса, Микеланджело, Рембрандта не на репродукциях, а в реальном пространстве музеев, то она испытала настоящий шок и даже слегла c высокой температурой…В лекциях Волковой нам предлагаются не отдельные трактовки, свойственные именно ей как знатоку, а скорее нам открывается процесс, описанный Давидом Самойловым в стихотворении «Слова»:

Люблю обычные слова Как неизведанные страны, Они понятны лишь сперва.

Затем значенья их туманны Их протирают как стекло, И в этом наше ремесло.

Вот что говорят о Паоле Волковой ее друзья и студенты: “Крупнейший специалист Гумилева, по творчеству Тарковского, ученица Мераба Мамардашвили и Льва Гумилева, вставшая на один уровень со своими легендарными учителями». Она сама признавалась: намеренно не употребляет искусствоведческих терминов: «Чем сложней вещь, тем проще должен быть язык, которым о ней рассказываешь». «Парадоксальность суждений, яркость образов и простой язык – эти лекции почти дословно помнят и спустя десятилетия».

Студентка Волковой А. Ниточкина пишет: “Шедевры потому и шедевры, что в них нет ничего случайного – во всем скрытый от глаза обывателя глубокий смысл. Все это – знаки, послания, которые может расшифровать лишь посвященный. Паола Волкова как нельзя лучше подходит на роль расшифровщика – она умеет подбирать ключи к загадкам старых полотен…Паола Дмитриевна замечательно раскрывает смысл картины «Корабль дураков» … Разгадка скрывается в самом корабле – оказывается так в то время называли церковь, а церковью, как известно, управляет Вседержитель, за кем должны идти верующие. И вот ключ к картине – корабль, который давно стоит на месте, из него даже проросло дерево, он вообще никуда не плывет. А люди на этом корабле – как персонажи балаганного действа, они пьют и гуляют, им все равно: хорошо сидим».

Анализируя «Корабль дураков», Паола Волкова отмечает, что Босх был одним из членов общества «Братства святого свободного духа». Разумеется, Босх был более подвержен другому образу мышления, другим изображениям. Художник нетерпим к негативным событиям и лицемерию в обществе. Волкова отмечает: “Люди на корабле находятся в абсолютной галлюцинации. У них выключен разум, алкоголизм и пьянство лишает человека ориентира, у него выпивка – признак галлюцинаций, реальности человек не понимает. «Корабль дураков» встал почему-то, а куда им идти…» Далее она сообщает, что изображение полумесяца на флаге корабля носит символический характер. Полумесяц символизирует слабоволие. Самое странное в картине это то, что шут не участвует в этом празднестве, он сидит в верхней части корабля спиной ко всем с печальным выражением лица. Художник, отделяя шута от остальных, словно говорит, что на берегах надежд без будущего, люди забыли о сакральных целях, то есть на корабле Петра (церковь) таких людей большинство. В особенности это касается христианства, в котором произошел резкий раскол на протестантство, лютеранство и это оставило свои глубокие следы в этих вопросах. Даже шут, способный своими резкими словами, бесстрашной правдой оставить собеседника в дураках, не может смириться с этим положением. Наряду со всем этим может возникнуть вопрос: «Разве это сюрреализм?» Правда, это не сюрреализм, но и то правда, что именно Босх дал толчок зарождению сюрреализма. «Корабль дураков» – это сюрреалистичное изображение уродливого внутреннего мира пьяных героев. Их образ жизни вызывает в зрителе чувство горького сожаления.

Отойду немного от темы. Я не ошибусь, если скажу, что визуально встретилась и побеседовала со многими авторами на «корабле своих идей». Мы поплыли в синих водах мира, выпили горькой, сладкой воды. Я прошлась по следам путешествий авторов, которые оставили позади века и окунулись в вечность. Этот «особенный корабль» никогда мне не забыть. Насколько авторы отличаются друг от друга, настолько же они похожи. В ответах на вопросы, задаваемых жизни, вы можете ближе их узнать… Мое признание может показаться странным, но это правда. Среди героев, с которыми я познакомилась, печаль одинокого шута из картины Босха «Корабль дураков» живет вместе со мной. Для шута, вынужденного оставаться рядом с безнравственными, пьяными людьми на безнадежном корабле, стоящем на одном месте, как дерево, поросшее на берегу, желание жить тает как свеча. Именно это является причиной моей печали. Одним словом, это такой корабль, на котором даже шут забыл самого себя. Его состояние меня очень огорчает… Босх своей кистью, дал жизнь темам, которые не уместятся даже в толстые фолианты.

Отмечу, что и до Босха печатались статьи в этой области. К примеру, переведенный на русский язык Б.И. Пуришевым «Немецкий и нидерландский гуманизм»: «Немецкий гуманист Себастиан Брант, опубликовавший в 1494 году в городе Базеле свою сатирико-дидактическую поэму «Корабль дураков», живо заинтересовала великого нидерландского гуманиста Дезидерия Эразма Роттердамского. Развивая традиции брантовской сатиры, он в 1509 году написал свою прославленную «Похвалу Глупости»…Еще резче отзывается Эразм о священнослужителях». Далее автор пишет о Бранте: «Брант пишет свою книгу ради искоренения глупости, слепоты и дурацких предрассудков и во имя исправления рода человеческого. Зная, какой удивительной силой обладает насмешка, он направо и налево раздает дурацкие колпаки, подымает на смех обычаи и нравы легиона глупцов, вовсе не подозревающих о том, что они давно уже стали прислужниками глупости. Поэт и на себя напяливает шутовской колпак, дабы получить право безнаказанно говорить людям правду. Он не церковный проповедник, он умный шут, находчивый, наблюдательный и веселый». С. Брант пишет: