Основы музыкального продакшна. Для продюсеров мультимедиа

Система накопленных знаний в академической, учебной и популярной литературе о музыке включает в себя историю и теорию музыки, огромный блок специализированных знаний, преподаваемых в музыкальных средних и высших учебных заведениях: основы элементарной теории музыки, гармонии, полифонии, инструментоведения и оркестровки, музыкальной формы и композиции, музыкальной психологии, журналистики, маркетинга, музыкальной информатики… К 20м годам XXI столетия всё чаще актуализируются вопросы пользовательского опыта и персонализации, поскольку музыкальная индустрия как одна из ведущих отраслей креативных индустрий открыта в одинаковой степени для новых имён с музыкальным образованием и без. Это с одной стороны даёт безграничные возможности на входе новым талантам, решившим проявить себя в музыке, с другой стирает границы между качеством коммерческого продукта и хайпом.

Когда следует производить музыкальный продукт в студии звукозаписи, а когда достаточно качества продакшна «на коленке»?

Ответ на этот вопрос раскрывается из последовательного анализа основных ресурсов проекта:

– Наличия бюджета и его размеров на производство, пост-продакшн и маркетинг музыкального продукта;

– Осведомлённости о запросах целевой аудитории;

– Команды проекта (компетенций и функционала участников продакшна);

– Времени на реализацию проекта.

Логическая структура этой книги совпадает с этапами производственного цикла при разработке и изготовлении аудиовизуального продукта с музыкальным сопровождением: три главы, разделённых функционально по этапам: Пре-продакшн, Продакшн и Пост-продакшн – рассказывают об обязательных действиях продюсера при контроле производства музыкального продукта и раскрывают некоторые продюсерские лайф-хаки. В конце каждой из глав для Вашего удобства будут приведены мини-списки литературы авторов, на которых я ссылаюсь, по каждому виду анализа к каждому соответствующему этапу музыкального производства, а также даны чек-листы с предлагаемой последовательностью Ваших действий. Расширенная и практико-ориентированная структура «Вводного раздела» задумана так специально в просветительских целях, причём, уже начиная со введения каждый подраздел завершается экспериментальным заданием, которое я предлагаю Вам, дорогой читатель, выполнить, чтобы проверить, насколько усвоился прочитанный материал. Последние два раздела книги – Глава 4 «Особенности музыкального языка коммерческого аудио-визуального продукта» представляет собой обзор научной литературы по вопросам музыкального продакшна, Глава 5 – «Советы при подготовке исследований о музыке» – были сформулированы в результате взаимодействия со студентами факультета Медиакоммуникаций Высшей Школы Экономики, и адресованы в первую очередь всем будущим продюсерам мультимедиа, получающим сейчас своё первое высшее профессиональное образование, хотя не исключено, что материал будет интересен широкому кругу читателей, имеющих опыт в сфере продакшна аудиовизуальных произведений и исследователям данной отрасли.

В книге присутствуют авторские иллюстрации (сама рисовала их для вас, поскольку люблю визуализировать в виде весёлых картинок производственные процессы и элементы музыкального языка!) и фото, сделанные моими студентами. Особую благодарность за фото хочу выразить моим студенткам Анне Алферовой, Анне Дорофеевой и Марии Исмаиловой.

P.S.: Изначально книга задумывалась как дополнительный учебный материал к курсу «Проектный семинар. Основы Ableton Live», но буквально накануне издания электронной версии в книжных магазинах Москвы весной 2021 г. появилась книга Антона Маскелиаде «Твой первый трек»[1 - Твой первый трек / Антон Маскелиаде, Максим Ильяхов – Москва: Издательство АСТ, 2021 г. – 252 с.], где автор описал работу в аудиоредакторе Ableton Live для широкой аудитории читателей без музыкального образования, и у меня, чтобы не повторяться, возникло желание расширить предметную область и более обобщённо поговорить с Вами, дорогой читатель, о логике работы продюсера мультимедиа в популярных аудиоредакторах на всех этапах производственного цикла, расширить список аудиоредакторов до существующего на момент 2021 г. студийного производственного стандарта, включив вместе с Ableton Live ещё и такие DAW, как Logic Pro, ProTools, Adobe Audition, Steinberg Cubase / Nuendo, Fruity Loops, Reaper, и добавив к повествованию опыт совместной работы над недавно реализованными музыкальными проектами и исследованиями музыкальной поп-культуры, выполняемыми в течение последних двух лет совместно с моими студентами.

P.P.S.: Обычно любой автор может пообещать что-то своему читателю. Я могу Вам, дорогой читатель, пообещать, что, следуя предложенной методологии анализа референсов музыкального продукта и учитывая мои рекомендации к работе продюсера на каждом этапе производства аудиовизуального продукта, Вы точно получите в результате музыку, которую будет слушать выбранная целевая аудитория. Почему я так уверена в своём заявлении? Я проделывала этот процесс много раз в своём творчестве, для Заказчиков моих музыкальных услуг, и вместе с моими студентами в их исследованиях. Результаты нашей работы мы тестировали на смоделированных ЦА. И всё получалось. Поэтому всех вас вдохновенно и с азартом приглашаю в это увлекательное путешествие!

А чтобы Вам ещё лучше осознать и приоритизировать Ваши собственные цели и задачи для получения ценности от прочтения этой книги, предлагаю Вам ответить на несколько вопросов в форме Google Docs – это даст возможность Вам и мне быть на связи друг с другом и представлять, как сделать получаемые знания ещё более удобоваримыми. Форма доступна по постоянной ссылке – https://forms.gle/1q9pFehBNPwFEZMb9 (https://forms.gle/1q9pFehBNPwFEZMb9)

Рис. 1 – Easy Ableton / Изя Абельтон. Мем. Евпак Е. Г. Проектный семинар «Основы Ableton Live. 4 модуль» – дополнительные визуальные материалы к онлайн-курсу для студентов факультета Медиакоммуникаций НИУ ВШЭ. – Москва, 2020 г.

Творите, вытворяйте, и получайте качественную обратную связь от своей аудитории зрителей, слушателей и подписчиков!

И пусть шаги и чек-листы этой книги вам помогут на этом пути!

«Джентльменский набор» элементов музыкального языка

«Любой музыкальный продукт имеет свою композиционную структуру.»

Рис.2 – Структура проектной сессии, или «давайте порежем слона на стейки» Мем. Евпак Е. Г. Проектный семинар «Основы Ableton Live. 4 модуль» – дополнительные визуальные материалы к онлайн-курсу для студентов факультета Медиакоммуникаций НИУ ВШЭ. – Москва, 2021 г.

Любой музыкальный продукт имеет свою композиционную структуру и состоит из некоторых общих элементов музыкального языка, которые можно выделить при прослушивании.

Слон на рисунке 2 – метафорическое представление о том, что любой музыкальный продукт имеет некую структуру, а дорожки музыкальных инструментов с прорисованными партиями – bass, drums, piano, guitar, strings, vox, air pad, air backs – базовые тембры аранжировки эстрадной песни. Эти тембры с их разновидностями и фактура партий каждой дорожки в совокупности определяют стиль музыкального произведения. Чем больше тембров – живых музыкальных инструментов и синтезированных – знает аранжировщик, тем, как правило, более интересный с художественной точки зрения продукт он может изготовить. Поэтому в программе курса «Проектный семинар. Основы Ableton Live» мы посвящаем два практических занятия и существенный вес в оценке проектных заданий вопросу слушания тембров. Более подробно про классификацию тембров поговорим в Главе 1 «Препродакшн».

И если бы мы рассказывали в песне о слоне от хобота до хвоста, то, как любое повествование, наш слон имел бы некую завязку, развитие действия и развязку. На рисунке это упрощённая куплетно-припевная композиция (intro – verse – chorus – post-chorus – outro), изображённая в виде линейки вдоль структуры проектной сессии аранжировки музыкальной композиции по аналогии с тем, как это визуализируется в интерфейсах цифровых аудиоредакторов (на примере Logic Pro / Ableton Live).

Однако изображённый такой композиционной структурой слон оказался бы для слушателя не убедительным и слишком сумбурным: некоторая часть повествования о хоботе во вступлении (intro); затем в куплете (verse) мы забываем про хобот и резко перепрыгиваем к описанию головы; потом на припеве (chorus) у слона обнаруживается сразу столько нового: и уши, и крылья, и передние ноги; на повторе вайб-фразы припева (post-chorus) мы понимаем, что у слона есть ещё пара задних ног; и тут вдруг в финальной части (outro) мы уже слышим про его хвост, а дальше ещё немного звучит музыка, и всё… Получается этакий «сферический слон в вакууме». А где повторная структура? Хотя бы повторить дважды структурные элементы:

куплет – припев – пост-хорус,

чтобы слушателю было интуитивно понятно, что мы о слоне поём.

Но в таком случае для закрепления образа слона в сознании слушателя нам пришлось бы во втором проведении куплета и припева как-то разнообразить по смыслу текст сюжетной линии в вокальной строке и саму аранжировку, оставив узнаваемые элементы стиля, и что-то дополняя / развивая в тембрах или фактуре инструментов, а, может, в спецэффектах обработки вокальной строки, эйрбэков или всех дорожек проекта. И в этом случае наша песня о слоне смогла бы, возможно, стать хитом у выбранной нами целевой аудитории, если бы мы предварительно изучили, какие ещё песни пользуются у данной целевой аудитории особой популярностью…

Добьём слона прямо сейчас! На рис.2 внимательным взглядом можно обнаружить лиловые пунктирные контуры границ слоновых стейков, внутри которых – функционально сочетающиеся по частотам, фактуре партий дорожек или панорамированию инструменты: бас сочетается с ударными, партия фортепиано – с партией гитары, партия лидер-вокала – с вокальной пачкой. Такая сочетаемость возможна в том случае, если в аранжировке при её производстве соблюдены каноны стиля[2 - Стиль – совокупность музыкально-выразительных средств и композиционных приёмов, позволяющая в музыке «слышать, угадывать, определять того или тех, кто её создаёт или воспроизводит» – определение переформулировано на основе дефиниции стиляпо Е. В. Назайкинскому (2003)].

Не вдаваясь глубоко в философию и теорию музыкального содержания, определим три основных и два дополнительных уровня музыкального языка[3 - Подробное обоснование использование термина «музыкальный язык» на основе трудов В. Н. Холоповой (1997) и А. Ю. Кудряшова (2005) – см. в Главе 4. «Особенности музыкального языка коммерческого аудио-визуального продукта».], которые обязательно в совокупности формируют уникальный образ, создаваемый выбранным сочинением.

Анализировать аранжировку музыкального произведения можно по условным уровням музыкального языка, вот основные пять:

– мелодия;

– ритм;

– гармония;

– тембры аранжировки;

– стиль.

Все эти уровни взаимосвязаны друг с другом нелинейно по определённым законам (в основном, законам классической или джазовой гармонии, а также опосредованно – по законам и традициям стиля) и рождают единый идейно-художественный образ музыкального произведения.

Для того, чтобы понимать, что происходит на каждом из уровней, договоримся, что, как и в геометрии, разберём устройство «музыкального языка» до его элементарных понятий и выстроим из них систему.

Рис. 3 – Музыкальный язык. Мем. Евпак Е. Г. Проектный семинар «Основы Ableton Live. 4 модуль» – дополнительные визуальные материалы к онлайн-курсу для студентов факультета Медиакоммуникаций НИУ ВШЭ. – Москва, 2020 г.

1. Звук, тон, мелодия, интонирование и интервалы

Почему проще всего начинать разговор о музыке с интонации?

Вокальная строчка современной эстрадной песни – это первое, что привлекает внимание слушателя вместе со смыслом текста.

И не случайно.

Первобытный человек мог слушать шумы и звуки окружающего мира вперемешку с тишиной. Это была изначальная природная музыка. Затем начала развиваться человеческая речь – появились интонации, человек начал подражать звукам природы, изобрёл лук и натянул тетиву – получил первые прототипы струнных инструментов… Важнее всего в интонировании – направление движения голоса: вверх, вниз, или восходяще-нисходящие интонации, или опевание опорного звука, или устойчивое ритмичное повторение одного и того же звука – вариантов внутри одной музыкальной фразы может быть несколько, а художественный смысл будет отличаться.

Какой должна быть вокальная строчка, идеально подходящая к стилю песни?

Чтобы ответить на этот вопрос, необходимо провести слуховой анализ нескольких популярных произведений в выбранном стиле и обратить внимание во время анализа на то, в каком направлении движется интонация вокалиста: поднимается, опускается вниз или ритмично исполняет партию на одной ноте. Из изменений интонации в вокальной строке и будет складываться мелодия – направленное интонационное движение основного голоса в музыкальном произведении.

«Мелодия – это направленное

интонационное движение основного голоса в музыкальном произведении».

Знание начального курса сольфеджио в объёме программы музыкальной школы или общее представление об элементарной теории музыки позволяет продюсеру мультимедиа оценить количественные характеристики мелодии, определив основные интервалы вокальных интонаций. Зачем это нужно в профессиональной деятельности? Иногда интервальный анализ мелодии вокальной строчки даёт возможность выявить использованные композитором приёмы музыкальной выразительности на уровне соответствия смыслов в тексте (lyrics) песни и мелодике вокальной строки.

Яркий пример тому – особое внимание музыкальных критиков и историков музыки к печальным нисходящим интонациям lamento (от итал. lamento – плачущий) на интервале малой секунды. Выделяются также гимновые кварто-квинтовые интонации, основанные, соответственно, на интервалах кварта (4 ступени) и квинта (5 ступеней), и лирические терцовые и секстовые интонации (интервалы: терция – 3 ступени, и секста – 6 ступеней).

Вообще интервал – это два звука лада, взятых последовательно (движением интонации голоса/тембра от опорного звука вверх или вниз), или синхронно (единовременно).

По степени условной «благозвучности» интервалы делятся на «консонансы» – звучащие благозвучно и «диссонансы» – звучащие условно неблагозвучно (от лат. sonare – звучать). Для наглядности будем рассматривать построение интервалов от ноты «ля» малой октавы, частота которой составляет 220 герц (Гц). Если от «ля» малой октавы на клавиатуре фортепиано найти следующую ноту «ля» – уже в первой октаве, частота более высокой ноты «ля» составит 440 Гц. Таким образом, отношение частот опорного звука – «ля» малой октавы – к верхнему звуку – «ля» первой октавы – составит 2:1. Являясь октавным повторением нижнего звука «ля», верхнее «ля» при синхронном исполнении как-будто субъективно сливается в единое созвучие – интервал октаву, или 8 ступеней. Вообще в назывании интервалов приняты латинские порядковые числительные: прима – 1, секунда – 2, терция – 3, кварта – 4, квинта – 5, секста – 6, септима – 7, октава – 8. Чаще всего в музыкальном продюсировании рассматривают именно простые интервалы, расположенные внутри одной октавы. Есть ещё составные интервалы – те же простые интервалы, но взятые от опорного звука через октаву, например: нонна – 9 (секунда, взятая через октаву), децима- 10 и так далее…

Рис. 4. Поп-вокалистка на шпагате от малой децимы. Мем. Евпак Е. Г. Проектный семинар «Основы Ableton Live. 4 модуль» – дополнительные визуальные материалы к онлайн-курсу для студентов факультета Медиакоммуникаций НИУ ВШЭ. – Москва, 2021 г.